周秀英专访：回顾街舞历程

起点与热爱周秀英的街舞记忆始于一个普通的下午，那天她在社区广场上看到一群跳舞的人，身体像潮水在音乐中起伏。她形容自己的感觉像“找到了能说话的身体”，从此走上了一条既孤独又光荣的路。最初没有系统训练，只有一台旧录影机和几盘舞蹈录像带，跟着画面反复模仿，反复摔倒再爬起。

父母起初并不理解，担心这条路无保障，但很快被她的执着打动，开始在力所能及的范围内支持她的练习时间和设备投入。

她在街头聚会中摸爬滚打，学会了如何在嘈杂与不被理解中保持节奏。那些年，她从Breaking的地面技巧学起，又被Popping的机械感与Locking的律动所吸引，逐渐融合出自己的动作语言。每一次进步都伴随伤痛——脚踝扭伤、肩膀拉伤，乃至几次因过度训练而不得不休息的日子。

她学会了听身体的声音，也学会了尊重节奏之外的自我修复。

成长并非直线。她组建了第一个舞团，在比赛中屡屡碰壁，也曾因为理念分歧而与合作者分道扬镳。但正是这些挫折，逼她思考：跳舞到底为了什么？是为了掌声还是为了那种与音乐产生共鸣的瞬间？她选择后者。于是，她开始研究街舞背后的文化根源，阅读有关黑人街头文化、嘻哈历史的资料，理解节拍之外的社会意义。

慢慢地，她的舞不再只是动作的堆砌，而成为讲故事的方式，能将个人情绪、集体记忆与观众情感连接起来。

在本地小有名气后，她也开始尝试教学。教学生成了双向的启发：在教授基础动作的她在学生身上看见了自己曾经的稚嫩与希望。教学迫使她把复杂的动作拆解为能被理解的语言，这一过程反过来又提升了她对身体表达的理解。每一个从街头走向舞台的瞬间，都记录着无数个夜晚的模仿、练习与反思。

她的故事，既有街头的烟火气，也有舞台的光与影，是真实的，也因此更打动人心。

突破与传承事业进入新阶段时，周秀英遇到了更多选择：接受商业演出，还是坚持街头精神？她选择在两者间寻求平衡。商业舞台给予她更大的曝光和资源，但她始终把街舞的核心文化放在威客电竞(vkgame)平台心里：自由、表达、社区。她在商业项目中注入街头元素，让更多观众看到街舞的多样性与深度；她用这些平台为更多年轻舞者创造机会，邀请他们上台、参与编舞、担任助教，形成良性循环。

几次重要的赛事和合作成为她职业生涯的转折点。一场跨界音乐会让她与流行音乐人共同创作，舞台效果爆棚，也让街舞与主流音乐场景建立新的对话。另一场公益演出，则让她看到街舞在社会议题中的力量：孩子们在舞蹈中找到自信、社区在活动中被串联，街舞成了情感修复与社区建设的工具。

这些经历丰富了她关于舞蹈价值的理解，使她不再仅把舞蹈视为技艺，而是一种社会资源。

作为教师与编导，她把方法论逐步系统化：注重身体基本功训练、节奏感培养与舞台叙事三者并重。她鼓励学员发展个人风格，不盲从潮流。她常说，每个身体都有独特的故事，优秀的舞者是把个人故事转化为舞台语言的人。她的学生中已有多人进入职业舞团、影视综艺或成为舞蹈教育者，这些“传承”令她感到比个人荣誉更有意义。

展望未来，周秀英希望能建立一个多功能的街舞基地，既有训练室，也有展演空间和文化档案馆，让更多人来这里学习、交流、举办展演并了解街舞的历史。她还想推动街舞课程进入学校教育，把肢体表达与创造力训练纳入青少年成长路径。对于年轻舞者，她的建议朴实却有力度：保持好奇、尊重历史、把勤奋当作常态。

她相信，街舞的生命力来自不断的创新与对根源的敬重。

采访在一个落日的傍晚结束，她在收拾随身的跳舞鞋时笑着说，舞蹈是她的日常，也是她愿意为之燃烧一生的信仰。她的脚步还在路上，每一个转身与停顿都写着无声的宣言：街舞不仅是动作，更是一种生活方式，一种与世界对话的方式。